Essay / Critique for the catalogue published by Davis Klemm Gallery

Peter Anton

“An artist usually does their best work when they focus on something they know about very well and have experience and knowledge about that subject matter. For me, this was food.”

A huge ice cream sandwich. A gigantic Swiss roll. An oversized donut. They dance in front of a light blue sky, held in front of a camera by two hands. Peter Anton presents recently completed works on his Instagram account. That says a lot about the sculptor Peter Anton. First, he makes very real looking, but gigantic and inedible goodies, i.e. sculptures. Second, he enjoys his work, he has a sense of humor and presents his work with a twinkle in his eye. Third, although he obviously uses social media for promotion, he himself is not at the center of attention. Peter Anton likes to turn the spotlight on his work.

The sculptor Peter Anton was born 1963 in New Haven, Connecticut, USA. He studied art and was originally involved in the film business. His strive for perfect illusion and for the extravagant staging of his exhibitions can be traced back to this background. Since 1991 his works have been presented in numerous exhibitions. He had his first solo exhibition in 1993 at "Henri Gallery" in Washington, DC. First and foremost, Peter Anton is undeniably enthusiastic about food and shares this enthusiasm with the world, as has been reflected in his oeuvre for 30 years.

Works of art: sweet or savory.

“I enjoy all kinds of food and treats. I was never a fussy eater. I eat a chocolate every night before bed. I grew up at a time when the entire family sat down for dinner. It was not only about eating great food that was presented beautifully it was also about the discussion we had around the table.”

Peter Anton is best known for his sculptures of gigantic chocolates, although his range of works includes pastries and cakes as well as candy. Thanks to his artistic skills, the objects look extraordinarily realistic – especially those with a glazed surface. In some articles, Anton is therefore often referred to as a candy artist or as “Candy Warhol”. Chocolate and donut boxes top his list of works, followed by ice cream in different variations, cakes and pies, lollipops, fruit gums and macarons, sugar hearts and candy apples as well as a chocolate Easter bunny. The models for his sculptures come mainly from the US and some sweets may therefore not fully develop their iconic and nostalgic effect in Europe. One such example would be “Double Pops”: a popsicle with two sticks that can be split and then shared. Corresponding to the actual frozen products, the colors appear particularly intense and even garish. Especially his versions of cakes in pink and turquoise look unusual in the eyes of Europeans. But it is this passion for color that accounts for the appeal of Peter Anton's works.

Peter Anton's “salty” works include fried eggs, bacon, hamburgers, fish, sushi, steak, peanuts or pizza. There are also various fruits - some of them dipped in chocolate. Just like his “sweet” sculptures, they are larger-than-life and accurate in every detail. The salty foods that he bases his sculptures on are just as high in calories and mouth-watering as the sweet ones. However, their effect is somewhat different. For one thing, the aesthetic appeal of a raw steak or piece of fish takes more getting used to than that of a donut. Even a perfectly fried egg or a piece of fried bacon are not as appealing in terms of their surface texture when compared to a smooth sugar glaze or chocolate icing. For another, there is the ethical question about the consumption of animal products that has come into focus in recent years.

Technique: perfect illusion.

For Peter Anton, the focus is on the perfect illusion. Which is why he has spent a lot of time perfecting his techniques for making his sculptures. He does not reveal the entire creative process, presumably to prevent imitation, but he likes to show his basic approach via social media. His first step is to carefully examine his food models. In addition to investigating the food with a magnifying glass and numerous taste and texture samples, he also studies the recipes. This precise examination is the basis for the richness of detail in his works. The materials used vary according to the objects. Resin, metal, wood and clay serve as the sculptural base. For the shape he sometimes uses specially made molds. Acrylic and oil paints create the realistic color scheme. He makes all details himself, even the paper cups for the chocolates, since the size he needs is not available in stores for baking goods.

Exhibitions: from amusement fair to temple.

The reviews of Peter Anton's exhibitions, especially their openings, read like a spectacle for the senses. Two such presentations are the exhibitions in New York's UNIX Gallery in 2015 and at Art Miami in 2012 during the Art Basel Miami art fair week.

The week of Art Basel Miami, the US edition of Art Basel in December, is known for alternative art installations. The unusual presentation by Peter Anton in 2012 fits into this framework. The artist invited visitors to a roller coaster ride with the title “Sugar & Gomorrah”. As at an amusement fair, two visitors could sit next to each other in a roller coaster car. They then rode through a world inspired by “Sodom and Gomorrah” and filled with “sweet” sculptures as well as erotic - albeit grated - scenes that were staged by living models. In contrast to a classic gallery visit, the visitors could not determine the length of stay in front of the individual works and scenes themselves. The background with music and the design of the entire ride emphasized the amusement character - with no time for art-loving contemplation.

UNIX Gallery in New York presented a similarly spectacular production in 2015, this time in a different guise: the solo exhibition “The Foodhist Temple” (the word “Foodhist” being a play on “Buddhist” and describing a zen-like state of mind in respect to food and eating). The experience here was completely different: to enable contemplative discussion, the gallery was covered with carpets and cushions, visitors had to take off their shoes, and subdued lighting created a special atmosphere. On red walls, framed with golden stucco, hung the various oversized foods from sushi to boxes of chocolates.

In both cases, Peter Anton staged the encounter with his works of art or with food as an event. For him, they represent the close relationship that people have with food - as nourishment and stimulent. Both presentations underline the humorous and ironic character and the emotional approach that Peter Anton chooses for his works.

Pop Art, Consumption & Temptation

“People are very passionate about food and the conversation can become heated at times just like talking about politics. I observed the powerful hold food has on us all and am always fascinated by this."

In his presentation “Sugar & Gomorrah” from 2012, the aspect of temptation becomes particularly clear. It was only possible to get a quick glimpse of almost naked bodies and deliciously presented sweets. Anton is aware of the magnetic effect of his works and exploits it. For many, his eyecatching sculptures place him in the tradition of Andy Warhol – which is why some refer to him as “Candy Warhol”. There certainly are similarities between the two artists - with both choosing subjects that are familiar, attractive and bold. But Anton’s works attract exhibition visitors not only because of the subject matter, but also because of their wealth in detail. The illusion is so intriguing that it works both from a distance and up close. His works invite you to look closely and examine the material. Although the works are not edible, you are invited to a detailed “consumption” with your eyes. And consumption is ultimately the issue. Half-eaten chocolates, missing donuts and ice cream bars with a bite missing: these delicacies are portrayed in the middle of the process of being eaten. However, Peter Anton is not practicing consumer criticism, rather he indulges himself in pleasure, and his solo exhibitions are a feast for the senses and a celebration of food. At the same time, he offers viewers something to reflect on: What does the sight of this food do with me? Which emotions are triggered? In this way, he makes a chain of thoughts visible that often gets forgotten in everyday life.

The perfect illusion: hyperrealism.

It is mainly his open boxes of chocolates that cast a spell over viewers. The perfect sleekness of an advertising image is disrupted by individual empty paper cups or even chocolates that have been bitten off and put back into the box. They make the works hyperrealistic and tell a story. Why were the bitten off chocolates put back? Was the liquor filling too bitter? Or was it the sudden thought of calories? The “used” works create an imaginary consumer, to whom one involuntarily establishes a connection. This unknown protagonist may have had similar thoughts, feelings and desires when looking at the chocolates.

Peter Anton shows us familiar things, shapes and colors. As a result, the viewer has an immediate connection to his works. Because the viewer is not made insecure by what is depicted and the subject is recognizable, a basis for a deeper contemplation on Anton’s works is possible. The viewer can initially think about the artist’s craftsmanship and compare the work with their real-life inspirations. From there on questions and topics can develop. Peter Anton offers the viewer assurance and easy access to his works.

As easy as pie? Democratic art.

Many articles and texts about Peter Anton’s works contain - mostly right at the beginning - a description of the sensual impressions, like the desire to eat his works of art (which is certainly not a typical approach of journalists or art historians when describing artworks). However, it is precisely this connecting element that exemplifies the sensual perception of his works. It is something everyone can agree upon, whether coming from an art historical background or not. Even a child – especially a child – can understand this effect. This is an outstanding quality of Peter Anton's works, which ultimately has given them a place in so many collections. Regardless of perspectives and interpretations, his works speak in a direct and personal way and offer an easy starting point to start talking about art. His works do not require any prior art historical knowledge. You can consider Duchamp or Andy Warhol, but you don't have to. His works are easy to recognize in terms of their subject matter, and the effect and technique are undisputed. This makes Peter Anton a very democratic artist whose works are accessible to everyone.

Gigantically delicious: Of Alice and Charlie.

“Humor is one of the most important elements we have in order to cope and survive in this world.”

The size of Peter Anton's works and the presentation in his solo exhibitions are reminiscent of “Alice in Wonderland” or “Charlie and the Chocolate Factory”. The reason is the irritation caused by the size, the subject and the perfect execution. The works could also be part of a real production of Alice's rabbit hole. Our perspective is suddenly altered. Are we small or is the object large? Which rules apply in a world in which an egg yolk is the size of a frying pan? As adults we experience childlike curiosity through this shift in scale: familiar objects are rediscovered though their magnification and seen differently than when an egg is fried in one’s own kitchen. What was ordinary before becomes suddenly extraordinary – but remains at the same time somehow familiar. This dash of humor, which Peter Anton brings to the art world with his works, develops from the question "What if …?" It gives us food for thought that works regardless of consumer criticism and nutritional awareness. He takes viewers by the hand and gives them the feeling that he is just like them, he shares their childlike, untroubled pleasure of eating. The colors, the taste, the smell, the texture, maybe even the nostalgia.

From cookies to art

Over the years Peter Anton has made a name for himself in the art world and his artworks are in renowned collections. Nevertheless, at the beginning of his career, his works were rejected by galleries. How paradox the art market sometimes is becomes visible here: on the one hand, the desire for genuinely new things, on the other hand, the security of the tried and tested. At the beginning, gallery owners were certainly faced with the question: is this art? In retrospect, the definition here is, as in many other cases, determined by the presentation and reception in the context of “art”. In other words: a glass of milk on a plinth in an art gallery would be perceived as a work of art and consequently also defined as art, while the same object in your own kitchen is just a beverage with a high calcium content. A fact that has been undisputed since Duchamp.

But Peter Anton's work goes beyond that. His works are a commentary on our relationship with food. Their size alone calls for analysis. How intense this analysis becomes correlates with existing personal or social relationships with food. His approach to the topic is so ironic and playful that nobody must feel offended. In this way, he allows space for unburdened contemplation.

Linda Traut, 2021

Peter Anton

“An artist usually does their best work when they focus on something they know about very well and have experience and knowledge about that subject matter. For me, this was food.”

Ein riesiges Eiscreme-Sandwich. Eine gigantische Biskuitrolle. Ein übergroßer Donut. Sie tanzen vor hellblauen Himmel, von zwei Händen in die Kamera gehalten. So präsentiert Peter Anton gerade fertiggestellte Werke auf seinem Instagram-Account. Das sagt bereits einiges über den

Bildhauer Peter Anton. Erstens: Er stellt sehr real aussehende, aber gigantische und nicht essbare Leckereien – Skulpturen – her. Zweitens: Er hat Freude an seinen Werken, er hat Humor und kann seine Werke mit einem Augenzwinkern sehen. Drittens: Obwohl er offensichtlich die sozialen Medien für sich einsetzen kann, steht er nicht im Fokus. Peter Anton stellt gerne sein Werk in den Vordergrund.

Der Bildhauer Peter Anton wurde 1963 in New Haven, Connecticut, USA, geboren, studierte Kunst und hatte auch ursprünglich Bezüge zum Filmgeschäft. Auf diesen Hintergrund könnte sein Anstreben einer perfekten Illusion und auch die Inszenierung seiner Ausstellungen zurückgeführt werden. Seit 1991 werden seine Werke in verschiedenen Ausstellungshäusern präsentiert. Seine erste Einzelausstellung hatte er 1993 in der „Henri Gallery“ in Washington, DC. Darüber hinaus ist vor allem zu bestätigen, dass Peter Anton sich für Essen begeistern kann und dies auch mit der Welt teilt, was sich seit 30 Jahren in seinem Œuvre widerspiegelt.

Kunstwerke: Süßes oder Pikantes.

Bekannt ist Peter Anton vor allem für seine gigantischen Pralinen, obwohl seine Palette eigentlich eine komplette Konditorei mitsamt Süßwarenabteilung umfasst. Durch seine Technik wirken die Objekte, die auch im Original eine glasierte Oberfläche aufweisen, besonders realistisch. In manchen Artikeln wird Anton daher gerne auch „candy artist“ oder „Candy Warhol“ genannt. Seine

Werkreihen umfassen sehr prominent Pralinen und Donuts, aber auch Eis in verschiedenen

Variationen, Kuchen und Torten, Lutscher, Fruchtgummi und Macarons, Zuckerherzen und Paradiesäpfel sowie unter anderem einen Schokoladenosterhasen. Seine Modelle stammen hauptsächlich aus den USA und manche Süßigkeit mag daher in Europa seine ikonische und nostalgische Wirkung nicht voll entfalten. Ein Beispiel dafür sind die Double Pops: ein Eis am Stiel mit zwei Stielen, die zum Teilen einladen. Entsprechend dieser Vorbilder wirken insbesondere die Farben sehr intensiv und grell. Insbesondere die Kuchenversionen in Pink und Türkis sind für europäische Augen eher ungewohnt. In dieser Lust an der Farbe liegt aber auch der Charme von Peter Antons Werken.

Die „pikanten“ Werke Peter Antons umfassen Spiegeleier, Schinken, Hamburger, Fisch, Sushi, Steak, Erdnüsse oder Pizza. Dazu kommen verschiedene Früchte – diese teilweise in Schokolade getunkt. Die Darstellung ist genau wie bei den Süßigkeiten übergroß und detailgetreu. Die herzhaften Modelle stehen den „süßen“ in nichts nach was Kalorienanzahl und auch

Anziehungskraft betrifft. Allerdings sind sie in ihrer Wirkung etwas verändert. Zum einen ist die Ästhetik eines rohen Steaks oder Fischs gewöhnungsbedürftiger als die eines Donuts, selbst ein perfektes Spiegelei oder gebratener Schinken sind in ihrer Oberfläche nicht so ansprechend wie glatter Zucker- oder Schokoladenguss. Zum anderen stellt sich hier auch stärker eine ethische Frage nach dem Konsum von tierischen Produkten, die in den letzten Jahren gesellschaftlich in den Vordergrund getreten ist.

Technik: Perfekte Illusion.

Die perfekte Illusion steht für Peter Anton im Vordergrund. Daher verwendete er auch viel Zeit, um seine eigene Technik zur Herstellung seiner Skulpturen zu perfektionieren. Den kompletten Schaffensprozess gibt er nicht preis, wohl auch um Nachahmungen zu vermeiden, jedoch zeigt er über die sozialen Medien gerne seine grundsätzliche Herangehensweise. Sein erster Schritt besteht in einer genauen Auseinandersetzung mit den Modellen. Dabei geht er über die Untersuchung mit Lupe und zahlreichen Geschmack- und Texturproben hinaus und beschäftigt sich auch mit der

Rezeptur des Modells. Diese genaue Auseinandersetzung ist die Basis für den Detailreichtum seiner Werke. Die Materialien variieren dabei entsprechend der Objekte. Harz, Metall, Holz und Lehm dienen als plastische Basis. Zur Formgebung bedient er sich dabei teilweise extra angefertigter Gussformen. Acryl- und Ölfarben führen die realistische Farbgebung herbei. Alle Einzelheiten werden von ihm selbst gefertigt wie beispielsweise auch die Papierhüllen der Pralinen, welche in dieser Größe nicht frei erhältlich wären.

Ausstellungen: Zwischen Kirmes und Tempel.

Die Besprechungen von Peter Antons Ausstellungen, insbesondere ihrer Eröffnungen, lesen sich wie ein Spektakel der Sinne. Die beiden bekanntesten Präsentationen sind die Ausstellungen in der New Yorker UNIX Gallery 2015 sowie auf der Art Basel Miami im Jahr 2012.

Die Art Basel in Miami, die US-amerikanische Ausgabe der Art Basel im Dezember, ist für alternative Kunstinstallationen bekannt. In diesen Rahmen passte auch die ungewöhnliche Präsentation von Peter Anton 2012. Sie lud die Besucher unter dem Titel „Sugar & Gomorrah“ zu einer Art Achterbahnfahrt ein. Wie auf einer Kirmes konnten jeweils zwei Besucher nebeneinander in den Gondeln Platz nehmen. In diesen wurden sie dann durch eine Themenwelt unter dem Thema „Sodom und Gomorrah“ gefahren, die gefüllt war mit „süßen“ Skulpturen sowie erotischen – wenn auch jugendfreien – Szenen, die von lebenden Modellen inszeniert wurden. Im Unterschied zu einem klassischen Galeriebesuch konnten die Besucher somit die Verweildauer vor den einzelnen Werken und Szenen nicht selbst bestimmen. Die Unterlegung mit Musik sowie die Aufmachung des gesamten Fahrgeschäfts betonte den Vergnügungscharakter – für kunstsinnige Kontemplation sollte hier kein Raum gelassen werden.

Eine ähnlich spektakuläre Inszenierung, jedoch unter anderen Vorzeichen, präsentierte die UNIX

Gallery in New York. 2015 zeigte sie die Einzel-Ausstellung „The Foodhist Temple“ (Das Wort Foodhist als Wortspiel von Buddhist um einen zen-artigen Zustand im Bezug auf Essen zu beschreiben.). Das Erlebnis war hier ganz anders: um eine kontemplative Auseinandersetzung zu ermöglichen war die Galerie mit Teppichen und Kissen ausgelegt, Besucher mussten ihre Schuhe ausziehen, gedämpftes Licht sorgte für die besondere Stimmung. An roten Wänden, eingerahmt von goldenem Stuck, hingen die verschiedenen überdimensionalen Lebensmittel vom Sushi bis zur Pralinenschachtel.

In beiden Fällen inszeniert Peter Anton die Begegnung mit seinen Kunstwerken bzw. mit

Lebensmitteln als Ereignis. Für ihn repräsentieren sie die enge Beziehung, die Menschen zum Essen haben – als Lebens- und Genussmittel. Die Präsentation unterstreicht den humoristischen und ironischen Charakter und die emotionale Herangehensweise, die Peter Anton für seine Werke wählt.

Pop Art, Konsum & Verführung

Insbesondere in seiner Präsentation „Sugar & Gomorrah“ von 2012 wird der Aspekt der Verführung deutlich. Nahezu nackte Körper und aufs köstlichste drapierte Süßigkeiten, auf die jeweils nur ein kurzer Blick zu erhaschen ist. Anton ist sich der anziehenden Wirkung seiner Werke bewusst und spielt auch damit. Seine plakativen Darstellungen stellen ihn für viele in die Tradition von Andy Warhol – und bezeichnen ihn als Candy Warhol. Eine Parallele ist sicher, dass das Motiv bekannt, anziehend und plakativ ist. Aber seine Werke ziehen den Besucher nicht nur durch das Motiv an, sondern auch mit ihrem Detailreichtum. Die Illusion ist so faszinierend, dass sie sowohl aus größerer Entfernung als auch aus der Nahansicht funktioniert. Seine Werke laden ein, genau hinzuschauen und das Material zu betrachten. Obwohl die Werke tatsächlich natürlich nicht essbar sind, wird zu einem ausführlichen „Konsum“ mit den Augen eingeladen. Und der Konsum ist auch letztlich das Thema. Angebissene Pralinen, fehlende Donuts und angefangene Eiscreme: diese Leckerbissen wurden mitten im Prozess des Konsums porträtiert. Peter Anton übt aber keine forcierte Konsumkritik, vielmehr schwelgt er selbst im Genuss, und seine Einzelausstellungen sind ein Fest der Sinne und eine Zelebrierung des Essens. Dennoch bringt er den Besucher in die Situation, sich mit diesem Prozess auseinanderzusetzen. Was macht der Anblick dieser Lebensmittel mit mir? Welche Emotionen werden ausgelöst? Dadurch macht er einen gedanklichen Prozess sichtbar, der im Alltag oft untergeht.

Die perfekte Illusion: Hyperrealismus.

Es sind vor allem die angefangenen Pralinenschachteln, die den Betrachter in ihren Bann schlagen. Die perfekte Glätte einer Werbeabbildung wird gestört durch einzelne leere Papiere oder sogar angebissene und verschmähte Stücke. Sie machen die Werke hyperrealistisch und erzählen eine

Geschichte. Warum wurden die angebissenen Pralinen wieder zurückgelegt? War es zu bitterer

Alkohol? Oder doch der plötzlich aufkommende Gedanke an die Kalorien? Die „verwendeten“ Werke lassen einen imaginären Konsumenten entstehen, zu dem man unwillkürlich eine Verbindung aufbaut. Dieser unbekannte Protagonist hat vielleicht ähnliche Gedanken, Gefühle und Gelüste beim Anblick der Pralinen gehabt.

Peter Anton führt uns Altbekanntes vor Augen, vertraute Formen und Farben. Dadurch entwickelt der Betrachter eine sofortige Nähe zu den Werken. Indem der Betrachter nicht verunsichert wird in dem, was er sieht und erkennen zu glaubt, wird ihm eine Basis gegeben, sich mit den Werken weiter auseinanderzusetzen. Er kann sich an der Technik festhalten und das Werk mit dem Bekannten vergleichen. Und davon ausgehend können sich Fragen und Themen entwickeln. Peter Anton gibt dem Betrachter Sicherheit und einen niederschwelligen Zugang zu seinen Werken.

Kinderleicht? Demokratische Kunst.

Eine große Anzahl von Artikeln und Texten über die Werke von Peter Anton beinhaltet – meist direkt zu Anfang – eine Beschreibung der sinnlichen Eindrücke. Insbesondere dem Wunsch nach dem Verzehr der Kunstwerke. Was sicherlich keine typische Herangehensweise von Journalisten oder Kunsthistorikern an eine Werkbeschreibung ist. Gerade dieses verbindende Element steht jedoch exemplarisch für die ganz direkte sinnliche Rezeption der Werke. Einer Rezeption, der jeder zustimmen würde, ob mit kunsthistorischer Vorbildung oder als Laie. Selbst ein Kind – vielleicht gerade ein Kind – kann diese Wirkung nachvollziehen. Und darin besteht auch eine herausragende Qualität der Werke Peter Antons, die ihnen letztlich einen Platz in so vielen Sammlungen verschafft hat. Unabhängig von Perspektiven und Interpretationen sprechen seine Werke auf diese direkte und persönliche Art. Das ist was man unter niedrigschwelliger Kunst verstehen kann. Seine Werke setzen kein kunsthistorisches Vorwissen voraus. Man kann Duchamp oder Andy Warhol zur

Betrachtung hinzuziehen, aber man muss nicht. Seine Werke sind in ihren Motiven und ihrer Thematik leicht zu erkennen und die Wirkung sowie die Technik sind unumstritten. Das macht Peter Anton zu einem sehr demokratischen Künstler, dessen Werke für jeden zugänglich sind.

Gigantisch lecker: Von Alice und Charlie.

“Humor is one of the most important elements we have in order to cope and survive in this world.”

Die Größe der Werke Peter Antons sowie die Präsentation in seinen Einzelausstellungen lassen an Alice im Wunderland oder Charlie in der Schokoladenfabrik denken. Der Grund ist die Irritation durch die Größe, das Motiv und die perfekte Ausführung. Die Werke könnten auch Teil einer Realinszenierung von Alices Kaninchenbau sein. Unsere Perspektive wird plötzlich verändert. Sind wir klein oder ist das Objekt groß? Nach welchen Regeln funktioniert eine Welt, in der ein Eigelb so groß wie eine ganze Pfanne ist? Es ist eine kindliche Entdeckung mit den Augen eines Erwachsenen: altbekanntes wird so stark vergrößert, dass sich unwillkürlich andere Fragen stellen als beim Spiegelei in der eigenen Küchenpfanne. Dort wohlbekannt, hier im neuen Kontext plötzlich fremd – und gleichzeitig vertraut. Diese Prise Humor, die Peter Anton mit seinen Werken in die Kunstwelt bringt, entwickelt sich durch das „Was wäre wenn?“. Damit gibt er einen Denkanstoß, der unabhängig von Konsumkritik und Ernährungsbewusstsein funktioniert. Er nimmt die Betrachter an die Hand und vermittelt ihm das Gefühl, dass er genauso ist wie er, er teilt seine kindliche, ungetrübte Freude am Essen mit ihm. Die Farben, der Geschmack, der Geruch, die Textur, vielleicht auch die Nostalgie.

Vom Keks zur Kunst

Inzwischen haben sich die Werke Peter Antons in der Kunstwelt einen Namen gemacht und sind in renommierten Sammlungen vertreten. Dennoch wurden seine Werke zum Beginn seiner Karriere von Galerien abgelehnt. Das Paradox des Kunstmarkts findet sich hier wieder: einerseits der

Wunsch nach genuin Neuem, andererseits die Sicherheit des Altbewährten. Sicherlich standen die Galeristen zu Beginn vor der Frage: ist das Kunst? Im Nachhinein wird die Definition hier wie in vielen anderen Fällen schon allein durch die Präsentation und Rezeption im Kontext „Kunst“ festgelegt. Mit anderen Worten: ein Glas Milch würde auf einem Sockel in einer

Kunstgalerie als Kunstwerk rezipiert und in Folge auch als Kunst definiert, während der gleiche Gegenstand in der eigenen Küche nur ein Lebensmittel mit hohem Calciumgehalt ist. Eine Tatsache, die seit Duchamp unumstritten ist.

Aber Peter Antons Werk geht darüber hinaus. Seine Werke sind ein Kommentar zu unserem Verhältnis zu Lebensmitteln. Schon allein ihre Größe fordern eine Auseinandersetzung. Wie intensiv diese wird, hängt sicher auch mit der bestehenden persönlichen oder gesellschaftlichen Beziehung zu Nahrung zusammen. Seine Annäherung an das Thema ist dabei so ironisch und verspielt, dass sich niemand angegriffen fühlen wird. Dadurch gibt er der Auseinandersetzung einen unbelasteten Raum.

Linda Traut, 2021